कोरियाई और जापानी कला ART OnO में अंतर्मन की ओर मुड़ती है

ARARIO GALLERY ने ART OnO 2026 के लिए सियोल के SETEC में ग्यारह कोरियाई और जापानी कलाकारों को एकत्रित किया है — यह कोई व्यावसायिक शोकेस नहीं, बल्कि इस बात का एक सटीक प्रतिपादन है कि उत्तर-पूर्व एशिया की समकालीन कला इस क्षण में क्या कहना चाहती है।

ARARIO GALLERY ने Booth 101 में जो कृतियाँ संजोई हैं, उनमें एक विशेष पीछे हटने की गुणवत्ता है। पलायन नहीं — बल्कि पद्धति के रूप में पीछे हटना। इस प्रस्तुति की चित्रकारी, मूर्तिकला और इंस्टालेशन एक साझा अस्वीकृति में बँधे हैं — बाहर की ओर विस्तारित होने से इनकार। ये संकुचित होती हैं। ये स्वयं की ओर, स्मृति की ओर, उस लगभग अगोचर चिंता की ओर मुड़ती हैं जो सामान्य अनुभव की सतह के नीचे काम करती है। अमृता शेर-गिल की आंतरिक वेदना से लेकर सुबोध गुप्ता की वस्तुओं में छिपी सामूहिक स्मृति तक, और रवींद्रनाथ टैगोर के विश्वभारती से लेकर समकालीन भारतीय कला के वैश्विक उभार तक — इस परंपरा में पले-बढ़े भारतीय दर्शक के लिए यह मुद्रा अपरिचित नहीं है। लेकिन यह यहाँ एक मूलतः भिन्न सांस्कृतिक अवकाश से आती है, और यही इसे उसकी विशेष शक्ति देता है।

SIM래정 इस मुद्रा को संरचनात्मक बनाती हैं: एकाकीपन, असहायता, सहजवृत्ति और सामाजिक मानदंड के बीच का संघर्ष — ऐसी छवियों के माध्यम से जो स्वयं को स्पष्ट किए बिना अस्थिर करती हैं, चित्रकारी और इंस्टालेशन में रूपांतरित। KANG Cheolgyu, जिनकी एकल प्रदर्शनी मई 2026 में ARARIO GALLERY SEOUL में खुलने वाली है, अपनी साधना को “प्रक्षेपण” की अवधारणा के माध्यम से वर्णित करते हैं — व्यक्तिगत अनुभव, भावनाओं और इच्छाओं को अपनी चित्रकारी में काल्पनिक दुनियाओं में रूपांतरित करना और उन्हें आत्मकथात्मक आख्यानों के रूप में प्रस्तुत करना। साथ मिलकर, ये दोनों किसी भी अन्य कृति के प्रकट होने से पहले ही बूथ का प्रतिपादन घोषित कर देते हैं।

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प्रतिपादन तीन अतिरिक्त स्तरों के माध्यम से गहरा होता है। KOO Jiyoon, AN Gyungsu और Kohei YAMADA — क्रमशः 1982, 1975 और 1997 में जन्मे — प्रत्येक परिदृश्य के प्रति अपने-अपने तरीके से उन्मुख होते हैं, लेकिन यहाँ परिदृश्य का कोई भी संस्करण सांत्वनादायक या पारदर्शी नहीं है। KOO Jiyoon अपनी मनोवैज्ञानिक परिदृश्य-रचना के लिए जीर्ण-शीर्ण इमारतों और शहरी परिवेश की कालिक परतों पर आधारित होती हैं — इमारतें संचित मनोवैज्ञानिक समय के रूप में। भारतीय संदर्भ में यह पाठ-पद्धति गहरी अनुगूँज रखती है: पुरानी दिल्ली की हवेलियों से लेकर मुंबई की चाल तक, कोलकाता के जर्जर औपनिवेशिक भवनों से लेकर बनारस के घाटों की शाश्वत काल-स्तरीयता तक — भारतीय नगर-स्थापत्य सदैव सामूहिक स्मृति का अभिलेखागार रहा है जहाँ इतिहास की परतें एक-दूसरे पर चढ़ी हैं। AN Gyungsu शहरी अवकाश के हाशियों पर, प्रतीत-त्यक्त सामग्रियों और स्थानों में अपने आशय खोजते हैं, उस परिधि में एक प्रवाहमान, निर्मूल संवेदनशीलता की खोज करते हुए। प्रदर्शित कृति Euseuseu (2025) तटीय चट्टान की बनावट को ऐक्रेलिक द्वारा दुर्लभ रूप से प्राप्त फ़ोटोग्राफ़िक परिशुद्धता से पकड़ती है — एक साथ भूवैज्ञानिक और मनोवैज्ञानिक सतह। इस प्रस्तुति के सबसे युवा कलाकार YAMADA ज्यामितीय रंग-तलों और संतुलित संरचना के माध्यम से शहर और प्रकृति की सीमा की जाँच करते हैं, पर्यावरण और स्थान के बीच संबंधों को एक अमूर्त चित्रात्मक भाषा के माध्यम से उजागर करते हुए।

LEE Eunsil, LIM Nosik और CHA Hyeonwook मध्यवर्ती स्तर पर हैं — स्मृति और व्यक्तिगत अनुभव, लेकिन उस परिशुद्धता के साथ जो नॉस्टैल्जिया से अधिक स्वयं की पुरातत्त्वविद्या के निकट है। LEE Eunsil उस भावनात्मक तनाव को अभिव्यक्त करती हैं जो इच्छा और सामाजिक मानदंडों के बीच उत्पन्न होता है। LIM Nosik अपनी चित्रकारी में स्वयं के खंडित प्रतिबिंब प्रस्तुत करते हैं — बाधा या दूरी के माध्यम से देखा गया विषय, कभी पूरी तरह पठनीय नहीं। CHA Hyeonwook की साधना संपूर्ण प्रस्तुति में शायद सबसे भौतिक रूप से विशिष्ट है: पारंपरिक कोरियाई कागज़ हान्जी पर बार-बार किए गए शुष्क ब्रशस्ट्रोक, पारंपरिक खनिज वर्णकों की परतें — स्मृति के टुकड़े सतह पर संचित होते हुए, हाथ स्वयं स्मरण का कार्य बनता हुआ। प्रदर्शित कृति Seen via Day Moon (2026) दृश्यात्मक रूप से असाधारण है: काल्पनिक चट्टानी संरचनाओं और खगोलीय पिंडों का एक परिदृश्य जहाँ पारंपरिक कोरियाई सामग्री और ब्रह्माण्डवैज्ञानिक कल्पनाशीलता किसी पूर्णतः समकालीन चीज़ से टकराती है। भाव, सामग्री और अर्थ के बीच संबंध का प्रश्न यहाँ भारतीय परंपरा से एक अप्रत्याशित अनुगूँज पाता है — जे. स्वामीनाथन की आदिवासी सौंदर्यशास्त्र की खोज से लेकर K.G. सुब्रह्मण्यम के टेराकोटा और काँच की दीवारों तक, भारतीय आधुनिकतावाद ने सदैव हस्तनिर्मित निशान को सांस्कृतिक स्मृति के सक्रिय वाहक के रूप में समझा है।

चौथा स्तर — NOH Sangho, GWON Osang, Kohei NAWA — वह स्थान है जहाँ यह प्रस्तुति एक विस्तारशील अनुशासन के रूप में समकालीन कला की भाषा के साथ सबसे प्रत्यक्ष रूप से मुठभेड़ करती है। NOH Sangho ऑनलाइन छवियों और कृत्रिम बुद्धिमत्ता द्वारा निर्मित छवियों को तैल चित्रकारी में सामग्री के रूप में उपयोग करते हैं: HOLY (2026) एक साथ भक्तिपूर्ण और अस्थिरकारी है — इंटरनेट की छवियों के प्रवाह से संयोजित संत और योद्धा, एक ऐसी चित्रकारी जो पूछती है कि जब स्रोत एल्गोरिद्मिक हों तो चित्रकारी का क्या अर्थ है। यह प्रश्न भारत में विशेष अनुगूँज रखता है, जहाँ कृत्रिम बुद्धिमत्ता और छवि-उत्पादन को लेकर बहस कोच्चि-मुज़िरिस बिएनाले और दिल्ली के समकालीन कला संस्थानों में तेज़ी से केंद्रीय स्थान ले रही है। यह प्रश्न और भी गहरा हो जाता है एक ऐसी संस्कृति में जहाँ दृश्य-छवि — देवमूर्ति से लेकर सिनेमा के पोस्टर तक — ने सदैव असाधारण आध्यात्मिक और सामाजिक शक्ति धारण की है। GWON Osang दशकों से मूर्तिकला की पहचान को भीतर से प्रश्नांकित करते आए हैं, ऐसी कृतियाँ निर्मित करते हुए जो फ़ोटोग्राफ़िक और त्रि-आयामी के बीच आवाजाही करती हैं किसी में भी स्थिर हुए बिना। Kohei NAWA — इस बूथ की सबसे अंतर्राष्ट्रीय स्तर पर मान्यता प्राप्त शख्सियत — मूर्तिकला, इंस्टालेशन और विविध माध्यमों के पार सामग्री और सतह, प्रकृति और कृत्रिमता के संबंधों की खोज करते हैं। प्रदर्शित कृति PixCell-Random (Cloud) #09 (2026) दर्शक और छवि के बीच अंतर्विष्ट वस्तुओं द्वारा प्रत्यक्षण के मध्यस्थ होने की उनकी दीर्घकालिक जाँच को आगे बढ़ाती है: एक लकड़ी के फ्रेम में फ़ोटोग्राफ़िक आधार पर लगाए गए काँच के गोले एक बादल को पिक्सेलीकृत करते प्रतीत होते हैं, उसे एक साथ डिजिटल और स्पर्शज्ञानी किसी चीज़ में अपवर्तित करते हुए।

कोरिया-जापान की जोड़ी एक ऐसा भार वहन करती है जिसे प्रेस सामग्री प्रत्यक्षतः नामांकित नहीं करती। इन दोनों देशों के बीच सांस्कृतिक संबंध पूर्वी एशिया में सबसे जटिल में से है — औपनिवेशिक इतिहास, सौंदर्यात्मक आदान-प्रदान, स्थायी तनाव और एक साथ काम करने वाला वास्तविक पारस्परिक प्रभाव। सियोल के एक कला मेले के बूथ में Kohei NAWA और Kohei YAMADA को नौ कोरियाई कलाकारों के साथ रखना एक तटस्थ भाव नहीं है। यह — विनम्रता से किंतु स्पष्ट रूप से — प्रस्तावित करता है कि साझा सौंदर्यात्मक सरोकार एक ऐसी क्षेत्रीय कला-भाषा का निर्माण करते हैं जो राष्ट्रीय सीमाओं से परे जाती है। भारत, जिसकी सांस्कृतिक परंपरा स्वयं अनेक सभ्यताओं के संगम पर निर्मित हुई है — बौद्ध धर्म के माध्यम से कोरिया और जापान से गहरे ऐतिहासिक संबंध रखता है, उन मार्गों के माध्यम से जो कला और दर्शन को एक साथ प्रवाहित करते थे। समकालीन भारतीय कला का वैश्विक उभार — कोच्चि बिएनाले की अंतर्राष्ट्रीय महत्वाकांक्षा से लेकर मुंबई और दिल्ली के दीर्घा-परिदृश्य की बढ़ती परिपक्वता तक — इस क्षेत्रीय संवाद में भारत को एक नई और अधिक सक्रिय भागीदार के रूप में स्थापित करता है।

सियोल ने हाल के वर्षों में वैश्विक कला की राजधानी के रूप में अपनी स्थिति सुदृढ़ की है — आंशिक रूप से Frieze Seoul के आगमन से उत्पन्न संस्थागत विश्वसनीयता के कारण, आंशिक रूप से कोरियाई संग्रहकर्ताओं की असाधारण वृद्धि के कारण। यह घटना अब मुंबई और दिल्ली की दीर्घाओं में भी पूरी तरह दृश्यमान है, जहाँ पूर्वी एशियाई समकालीन कला में बढ़ती रुचि को लेकर भारतीय संग्रहकर्ताओं के बीच एक नई जिज्ञासा जन्म ले रही है। ART OnO इस विस्तारित पारितंत्र के भीतर काम करती है — इसके अंतर्राष्ट्रीय स्तर पर सबसे दृश्यमान सिरे पर नहीं, बल्कि उस समर्थक आधारभूत संरचना में जो एक गंभीर कला बाज़ार को कार्यशील बनाए रखती है।

ARARIO GALLERY की ART OnO 2026 में प्रस्तुति जो अंतिम रूप से प्रदान करती है वह एक प्रतिभार है — कोरियाई समकालीन कला को वैश्विक तमाशे के रूप में प्रस्तुत करने वाले आख्यान के विरुद्ध। ग्यारह कलाकार, दो देश, एक साझा अभिमुखता: संसार की ओर नहीं, बल्कि उसमें होने की आंतरिक वास्तुकला की ओर। ऐसे बाज़ार में जिसने कभी-कभी दृश्यता को सर्वोपरि पुरस्कृत किया है, यह बूथ परिशुद्धता के साथ गहराई के पक्ष में तर्क देता है — और हमें स्मरण कराता है कि सबसे स्थायी कला सदैव वह होती है जो स्वयं को पूर्णतः दिखाए जाने से इनकार करती है।

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